Uroš Paternu entwickelte seine wiedererkennbare und einzigartige Bildsprache im 19. Jahrhundert mit der theoretischen Interpretation seines eigenen kreativen Prozesses, der von künstlerischer Analyse und Systematisierung geprägt ist.

     Der Künstler sieht die Malkunst als einen Weg, seine Gedanken zu nutzen und die ihn umgebenden Gegenstände und die Welt auf der Grundlage einer dialektischen Beziehung zwischen dem Geistig-Konzeptuellen und dem Physisch-Materiellen zu erden, die durch die Umsetzung des konkreten Empirischen hergestellt wird Materie in ihre visuelle Artikulation. Dieser Übergang vom Physischen zum Spirituellen, von der Immanenz zur Transzendenz, vom Beobachten zum Sehen, von der Reflexion zur Katharsis, beginnt mit dem ersten Pinselstrich und lebt in der Wahrnehmung des Betrachters weiter.

     Obwohl die abstrakte Kunst eine Verkörperung der künstlerischen Ausdrucksfreiheit ist, bleibt sie innerhalb der Gesetze der malerischen Medien gebunden. Die Grundstruktur eines jeden Gemäldes enthält die Konzentration, Sensibilität, Kontemplation und Erfahrung des Autors, die untrennbar mit ihm verbunden sind und als ein kontemplatives Mysterium durch seine Schichten sickern, das der Betrachter nicht auf den ersten Blick, sondern durch einen Prozess der Wahrnehmung allmählich entdeckt , kreative Inspektion und Wachstum.

     Der grundlegende und aktivste Agent und Inhalt des künstlerischen Schaffens von Uroš Paternu ist die Farbe in all ihrer Bandbreite und Dynamik, Haltungen und Beziehungen, in Regelverstößen und Freiheit von ihnen mit einer inneren Tiefe und visuellen Form. Mehr als den expressiven oder emotionalen Ausdruck der morphologischen Elemente der Schöpfung bevorzugt Uroš Paternu ihre kontemplative, universelle Seite.

     Farben verwendet er nie als empirisches, assoziatives, symbolisches oder evokatives visuelles Element, sondern entzieht sich vielmehr dem mimetischen und referentiellen Rahmen der Wahrnehmung. In der Farbe sucht er nach ihrer entmaterialisierten Natur, die in einem kreativen Prozess zu einer sorgfältig durchdachten Komposition wird, einem Echo der Kunstwerke, das in der Wahrnehmung des Betrachters mitschwingt und den Eindruck erweckt, ein vibrierender lebendiger Organismus zu sein.

     Seine Herangehensweise an die nackte Leinwand besteht aus einer unablässigen Suche nach neuen Lösungen, gleichsam einer »Beutejagd«, bei der Geschicklichkeit, tiefe Konzentration und Zielstrebigkeit die entscheidenden Faktoren sind, die dem Betrachter mit einer eigenständigen und perfektionierten Bildrealität ins Auge fallen.

     Die Bilder entstehen mit nachdenklichen oder impulsiven Strichen, mit glatten oder groben Farbaufträgen. Die wahrnehmbare Tiefe entsteht durch raffinierte räumliche Schnitte, Farbmetamorphosen, innere Segmentierung des Farbfeldes und überlagernde Farbschichten, unter denen anspielende Bilder aus tieferen Schichten zum Vorschein kommen.